MOLT LLUNY
El devenir de un yo perdido
La indivisible naturaleza del sujeto y el contexto que, ya apuntaba Ortega y Gasset, le sirve a Gerard Oms como base estructural y formal para desarrollar su ópera prima. Molt lluny arranca con una masa formada por los hinchas del RCD Espanyol, entre coros entusiastas y la humareda de las bengalas enturbiando la imagen. Todos a una. Y cuando la cámara se pone frente a ellos, entonces asoma Sergio, el protagonista, para rápidamente desaparecer entre ella y así sucesivamente hasta llegar al estadio. Hasta ahí Sergio es un “hombre-masa”, actuando por inercia y colectividad, aparentemente satisfecho y en sintonía, acomodado a su circunstancia. Su viaje hacia ese “heroísmo” orteguiano, y por tanto hacia ese hallazgo vital e identitario, se da cuando no se sube a su avión de vuelta a casa y toda su circunstancia cambia.
Ese hecho repentino desencadenará un cambio paulatino. Al principio, la herencia de una violencia física y verbal queda marcada en el lenguaje del protagonista como autodefensa de su masculinidad, una socialmente aceptada bajo los principios de lo normativo. El insulto, las demostraciones de fuerza -incluso mediante gestos aparentemente inocentes como hacer un pulso o destapar una botella con la boca- o los gritos primitivos se establecen como las únicas herramientas del personaje de aferrarse a su yo conocido y evitar caer en la inconsciencia de ese yo encerrado dentro de sí. El hombre se establece casi como un animal que debe defender un territorio, uno que se ha autoconvencido que le pertenece.
Sin embargo, la inestabilidad de la cámara, la fotografía apagada y esos compases de violonchelo estridentes y, por momentos, asincrónicos inducen al espectador a atender a ese derrumbe del mundo del protagonista y esa tensión fruto del incierto. Todo ello se conjuga, por eso, desde una mirada naturalista que se acerca a esa herencia del cine social distinguible en cineastas como los hermanos Dardenne, quienes también ponen el foco en esos personajes en los márgenes o víctimas de algún tipo de exclusión.
En habitaciones oscuras, que resuenan con el imaginario pictórico de Edward Hopper y sus retratos de la soledad entre juegos de luces y sombras, Oms conjuga una separación formal en la disposición del personaje en el espacio y el encuadre, así como psíquica en una evolución gestual de la rigidez a la distensión. En este sentido, el contacto físico sufre una clara evolución desde esa reticencia inicial a dejarse poner una faja para trabajar hasta la iniciativa de compartir un abrazo prolongado con un hombre. La herida interna se externaliza en una interpretación en la que Mario Casas transita hacia la comodidad desde la agonía, la inseguridad, el miedo o la ansiedad. Esa herida incluso se visibiliza en una escena quizás más subrayada que el conjunto y con una clara resonancia a una similar protagonizada por Leo (Eden Dambrine) en Close (Lukas Dhont, 2022). En ella, tras cortarse en la cocina, su casera trata de desinfectar y ponerle una tirita sin aparentes signos de dolor. Eso es hasta que se verbaliza una pregunta que derrumba los muros que esa violencia mencionada había fundado: ¿Te duele? Su respuesta se traduce en la ruptura de la frialdad para ceder ante la intimidad y la vulnerabilidad de un lloro.
Pero volviendo a ese espacio nublado en el que se mueve y encuadra al personaje, tanto los elementos de los espacios privados como los elementos del urbanismo por donde se pasea sirven para confrontar al personaje o revelar esa marginación. En esta línea, se encuentran motivos recurrentes como el espejo usado como delator de esos gestos represores -miradas de soslayo, intentos por deshacerse de una rigidez viril- y otros que aparecen de la nada, como ese puente levadizo, para bloquear el camino del protagonista, empequeñecer su presencia y ensalzar ese sentimiento de extravío.
No obstante, ese yo enzarzado en una búsqueda identitaria, casi de supervivencia (como apunta el personaje de David Verdaguer), es incapaz de abandonar una nueva circunstancia que lo va configurando. En ese viaje interior jamás se olvida un contexto que se demuestra plural, sin por ello caer en una sobredramatización ni una actitud panfletaria. La situación de inmigración, las dificultades para acceder a una vivienda o la inestabilidad socioeconómica añaden una visión panóptica a esa mirada de Sergio. Esta cambia hacia el final sin llegar a polos opuestos y quedándose, de forma realista, en los compases previos a una cierta plenitud. Tanto en la escena del club como en la pachanga que cierra el film, él ya no se pierde entre ninguna multitud; él se convierte en el centro de la acción. El montaje picado de la discoteca conecta con esa liberación corporal del personaje quien, en plena oscuridad, parece encontrar cierta iluminación en una comunidad a la que había intentado rechazar. Así pues, cuando regresa al contexto futbolero asociado a esa masculinidad de la que comienza a distanciarse, nadie lo oculta en el plano y es de fuera de campo dónde se escucha el comentario de uno de los jugadores diciendo: ¿Y ahora qué hacemos con el español? Sergio ya no pertenece a esa comunidad tal y como está configurada. Su yo ha cambiado y, por lo tanto, no puede regresar a su antigua circunstancia. En ese punto, solo le falta un último salto, pero esa es otra historia. Así que de su rostro (su yo) tan solo puede darse paso a un corte a negro para invitar a las divagaciones del espectador sobre ese devenir incierto, pero algo más claro.
Muy lejos (Molt lluny, España-Países Bajos, 2024)
Dirección: Gerard Oms / Guion: Gerard Oms / Producción: Sergio Adrià, Germen Boelens, Iris Martín-Peralta, Carles Torras, Raymond van der Kaaij / Fotografía: Edu Canet / Montaje: Neus Ballús / Música: Rio Wolta / Reparto: Mario Casas, David Verdaguer, Ilyass El Ouahdani, Jetty Mathurin, Raúl Prieto, Hanneke van der Paardt, Nausicaa Bonnín, Daniel Medrán, Marcus Klück
