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ENTREVISTA A LAURA FERRÉS (LA IMATGE PERMANENT)


«He intentado que sea el retrato más horizontal posible»

Durante La imatge permanent uno de los personajes dice “Te puedes olvidar de quién eres cuando llegas a una nueva ciudad”, se ancla así el gran tema de la película, la memoria de posguerra de los migrantes andaluces a Cataluña ¿cómo se plasmó desde la escritura y planificación del guion?

La película se construye sobre dualidades, -por eso la forma de díptico- , y se sostiene en esas dualidades para hablar de la clase social, el lugar que ocupamos en la sociedad y se pregunta si podemos ir en contra de nuestra herencia y cambiar. Una de las claves es la aparición de canciones que cantaba mi abuela, que era una mujer de clase trabajadora. Nunca hablaba de la guerra civil o la posguerra, como muchas otras personas de la época, pero sí lo hacía a través de las canciones. Cuando entendí el tema de estas canciones, quería salvaguardarlas como testimonio de una época y las grabamos. Por eso, cuando escribí el guion decidí incluir este saber popular. Al final, el cine es una herramienta para dejar constancia de las cosas que se puedan olvidar.

Se combinan también diversos tonos…

Existe esa intención de combinar lo ensayístico con lo popular. Se combina la cuestión más antropológica, las canciones, con la fantasía, creando un imaginario propio. También se realiza un estudio sobre la imagen, que recuerda a John Berger, pero también existe un melodrama. El melodrama es un género muy popular. Yo me crié viendo las telenovelas con mis abuelas, que sin duda han influenciado la persona que soy hoy, pero también me gusta mucho Douglas Sirk. La imatge permanent es una película que habla de la clase trabajadora y quería hacerlo desde la clase trabajadora. No quería excluir a las personas que han participado en la película, a veces cuando se trabaja con actores naturales, no se permite que se reconozcan a sí mismos, porque no suelen ver películas de ese estilo.

Has mencionado el trabajo con actrices naturales ¿qué espacio se les dio para construir sobre sus personajes una forma de moverse o de hablar?

Al estar el guion bastante cerrado no había mucho espacio para la improvisación, además no conocí a los actores mucho antes de comenzar el rodaje, por lo que no tuvimos tiempo de ensayar. Mi preparación con María Luengo y Rosario Ortega, actrices que interpretan a Carmen y Antonia, consistió en ponerles una película de Aki Kaurismäki para indicarles un poco la idea, y llevarlas a las localizaciones para que les resultaran familiares y se movieran con más confianza el día del rodaje. Las dos marcan una gran dualidad, funcionan en registros muy diferentes porque son dos personas muy diferentes. Y claro, a la hora de dirigirlas se usan distintos métodos, una daba lo mejor de ella en las primeras tomas y otra no tanto. Me hubiera gustado haberlas conocido con más antelación porque creo que entonces sí hubiéramos creado los personajes de forma más conjunta, pero me gusta poner en valor el reto al que nos enfrentamos, que no necesariamente viene de que no sean actores, sino de no haber tenido tiempo para ensayar. Sería interesante saber qué hubiera pasado si hubiéramos ensayado, pero sería una película distinta.

Las cuestiones en torno al pasado y el recuerdo permean por completo la fotografía, en la composición, la relación con los fuera de campo, la iluminación…

Era esencial que la memoria y el tiempo se transmitiesen desde la puesta en escena y no sólo a través de la palabra, entonces pensé que la fotografía podría ser planteada desde el punto de vista de que cada plano supusiese una viñeta y que se completase con el trabajo sonoro, desincronizado de la fuente original. De este modo, hablamos de un tiempo y una vida que no es lineal. La conjunción de fotografía y sonido produce una constante simultaneidad de presentes, pasados y futuros. Todo permite poner el foco en la cuestión del eterno retorno, es decir, si estamos condenados a que los acontecimientos sucedan de forma cíclica.

Mencionabas al principio las canciones y ahora el sonido desincronizado, ¿es este trabajo tan extenso con el sonido algo que estuviese presente desde la planificación del guion?

Las canciones sí que estaban incluidas en el guion, y a la hora de escribirlo pensé en ciertas imágenes y sonidos que quería incluir, pero es cierto que gran parte de las ideas sonoras salieron después, en postproducción. Susan Sontag escribe en Ante el dolor de los demás: “La vista no requiere esfuerzo; […] la vista puede apagarse (tenernos parpados en los ojos, no tenernos puertas en las orejas)”, creo que describe muy bien cómo opera esta relación entre fotografía y sonido en la película. A la hora de planificar el sonido pensé en el trabajo que se hace en el cine de terror, aunque el resultado no tenga nada que ver con el horror. Explica en parte la mezcla de tonos y géneros como el ensayo, el melodrama, el musical o la comedia.

Se introduce también en La imatge permanent la cuestión de la mercantilización de los rostros por parte de la publicidad y la tecnología, esa inteligencia artificial que deshumaniza las miradas. ¿Qué estrategias forman parte de la película para que esta misma no mercantilice los rostros que la protagonizan?

Es una película de rostros, de perro y pájaro. Empieza con un rostro y termina con ese mismo rostro. Vemos cómo en esa cara se refleja el paso del tiempo. He intentado en ese sentido que sea el retrato más horizontal posible, pero siempre es complicado. Los personajes hablan de personas “auténticas” como un eufemismo de personas pobres. Al rodar enfrentamos eso al focalizarnos en el rostro de la clase trabajadora. Yo pertenezco a esa clase, pero he pasado por unos centros educativos y tengo la cámara, siempre existe un poder sobre los actores y cómo son grabados. Al mismo tiempo, me gusta pensar que he trabajado y seguiré trabajando con las mismas personas. Profundizo así en ciertas formas y temas, pero también en las relaciones con las personas que participan en el rodaje, creo que así evitamos mercantilizar a los otros. Al final somos un grupo de amigos que nos hemos hecho amigos precisamente a raíz de hacer películas.

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