CRÓNICA OFICIAL DEL FESTIVAL DE CANNES 2023

Dos años después de Julia Ducournau, una directora francesa se alza con el máximo galardón: Justine Triet gana la Palma de Oro por Anatomía de una caída. Hacemos un repaso del palmarés y de las otras películas de la Sección Oficial del Festival de Cannes 2023, en continuación a la crónica paralela del certamen francés.

ANATOMÍA DE UNA CAÍDA de Justine TRIET

Sandra, Samuel y su hijo invidente de 11 años, Daniel, viven desde hace un año en las montañas, lejos de todo. Un día, Samuel es encontrado muerto abajo de su casa. Se abre una investigación por muerte sospechosa. Sandra es acusada a pesar de la duda: ¿suicidio u homicidio? Un año después, Daniel asiste al juicio de su madre.
Este cuarto largometraje de Justine Triet, una verdadera disección de la pareja, fue coescrita con el director Arthur Harari (Onoda). Al centrar su puesta en escena en las palabras de los protagonistas, la directora cuestiona la noción misma de “verdad” dentro de un tribunal. En su exploración de la figura femenina en el cine, Triet compone un personaje de gran delicadeza, interpretado magníficamente por Sandra Hüller. La caída del título corresponde obviamente al incidente que desencadenó la trama, pero también a la desintegración de la vida de Sandra. Esta última ve su mundo patas arriba de la noche a la mañana. La película era sin duda una de las propuestas más sólidas de la Selección Oficial, aunque no se esperaba que ganase la Palma de Oro.

THE ZONE OF INTEREST de Jonathan GLAZER

El comandante de Auschwitz Rudolf Höss y su esposa Hedwig se esfuerzan por construir una vida de ensueño para su familia en una casa con jardín al lado del campo. Libre adaptación de la novela de Martin Amis – que murió durante el festival-, esta película cuenta también, como la anterior, con la actriz alemana Sandra Hüller.
Glazer se encuentra confrontado con la delicada cuestión de la representación del Holocausto en el cine. La gran fuerza de la película radica en esta dicotomía casi insostenible entre la ligereza de las acciones representadas en pantalla y el horror que se desarrolla fuera de campo. Rodada con varias cámaras fijas instaladas en el decorado para seguir los movimientos de los personajes, el filme nos remite al concepto de “la banalidad del mal” desarrollado por Hannah Arendt. La elección de distanciarse parece muy acertada. Permite que la película sintonice con quienes organizaron la Solución Final: burocráticos, repetitivos y totalmente desprovistos de empatía. Se alzó con el Gran Premio del Jurado.

LA PASIÓN DE DODIN BOUFFANT de TRAN ANH Hùng

Eugénie, una cocinera destacada, ha trabajado para el famoso gastrónomo Dodin durante 20 años. Se ha construido entre ellos una pasión amorosa donde el amor está íntimamente ligado a la práctica de la gastronomía. De esta unión nacen platos todos más sabrosos y delicados que los demás. Sin embargo, Eugenia, ansiosa de libertad, nunca quiso casarse con Dodin. Este último decide entonces hacer algo que nunca antes había hecho: cocinar para ella.Treinta años después de ganar la Cámara de oro con El olor de la papaya verde, el director franco vietnamita Tran Anh Hùng se lleva el Premio a la Mejor Dirección: utiliza la cámara como una caricia que despierta todos los sentidos. La meticulosidad de la fotografía de Jonathan Ricquebourg (La muerte de Luis XIV) permite que cada fotograma parezca un cuadro. La química entre Benoît Magimel y Juliette Binoche se empapa de una cierta melancolía porque la relación entre Eugénie y Dodin nunca llegará a buen puerto.

LAS HOJAS MUERTAS de Aki KAURISMAKI

Dos personas solitarias se encuentran por casualidad una noche en Helsinki y cada uno intenta encontrar en el otro su primer, único y último amor. Su camino hacia esta valiosa meta se ve oscurecido por el alcoholismo del hombre, la pérdida de un número de teléfono, la ignorancia de los nombres y direcciones de los demás.
La vida tiende a poner obstáculos en el camino de quien busca la felicidad. Todos los personajes parecen vivir en una soledad sin fondo y la violencia del mundo moderno (con la radio dando las noticias sobre la guerra en Ucrania, por ejemplo) se describe con mucho pudor. Cada escena se enlaza en transiciones abruptas donde domina el absurdo. Todo ello sin subrayar ni exagerar, todo con delicadeza y sin una palabra más alta que la otra. A la vez solemne e hilarante, la película se lleva el Premio del Jurado que sabe a poco.

MONSTER de KORE-EDA Hirokazu

El comportamiento del joven Minato es motivo de creciente preocupación. Su madre, que lo cría sola desde la muerte de su marido, decide enfrentarse al equipo educativo del colegio de su hijo. Todo parece apuntar al maestro de Minato como el responsable de los problemas que enfrenta el joven. Pero a medida que la historia se desarrolla a través de los ojos de la madre, el maestro y el niño, la verdad resulta ser mucho más compleja y matizada de lo que nadie había anticipado originalmente.
Como en Rashomon de Kurosawa, la película se basa en un evento iniciador: se produce un incendio en un pequeño pueblo japonés, reuniendo a su alrededor a los habitantes del distrito. Este punto de partida se retoma en cada parte y se convierte en el punto central de la narración. ¿Quién es el monstruo del título de la película? Esta pregunta nos persigue durante todo la película. Kore-eda consigue encontrar formas de renovarse y cuestionarse, a pesar de que su cine gire constantemente en torno a los mismos motivos, la familia o la paternidad reconstruida. Vencedora de la Palma Queer y del Premio al Mejor Guion, la película es una propuesta sólida sobre una temática compleja de abordar.

LAS HIERBAS SECAS de Nuri Bilge CEYLAN

Samet es un joven maestro en un pueblo remoto de Anatolia. Mientras espera desde hace varios años su traslado a Estambul, una serie de acontecimientos le hacen perder toda esperanza. Hasta el día en que conoce a Nuray, una joven profesora como él…
Nuri Bilge Ceylan no suele rodar mucho (hay casi cinco años entre sus últimas películas) pero sus obras son siempre muy  ambiciosas. Aquí se acerca a las 3h30 después de Sueño de invierno y El peral salvaje que ya superaban las 3 horas. Como suele suceder en su cine, es la naturaleza la que se impone. En esta región parece haber sólo espacio para dos estaciones, un invierno muy duro seguido inmediatamente por un verano pesado y caluroso. Tres personajes constituyen el centro nuclear de todo el guion que propone distintas capas de reflexión en un ambiente casi chejoviano. Merve Dizdar se lleva el Premio a Mejor Actriz para este drama que nos atrapa de principio a fin.

PERFECT DAYS de Wim WENDERS

Hirayama trabaja para mantener los baños públicos en Tokio. Florece en una vida sencilla y una vida diaria muy estructurada. Mantiene una pasión por la música, los libros y los árboles que le gusta fotografiar. Su pasado resurgirá a través de encuentros inesperados. Esta conmovedora y poética reflexión sobre la búsqueda de la belleza en la vida cotidiana es una película menor del director alemán, ganador de la Palma hace casi 40 años. Pero su protagonista japonés Koji Yakusho, premio al Mejor Actor, es sin duda lo mejor de la propuesta. Sus andanzas quedan plasmadas y envueltas en música, como puntuaciones de un arte de vivir.

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En las otras películas de la Selección Oficial del Festival de Cannes 2023 destacaba el cine italiano con tres autores de renombre. Pero ninguna de la películas ha conseguido convencer al Jurado y entrar en el palmarés a pesar de su innegable calidad.

RAPITO de Marco BELLOCCHIO

En 1858, en la judería de Bolonia, los soldados del Papa irrumpen en la casa de la familia Mortara. Por orden del cardenal vinieron a llevarse a Edgardo, su hijo de siete años. El niño habría sido bautizado en secreto por su nodriza cuando era un bebé y la ley pontificia es indiscutible: debe recibir una educación católica. Los padres de Edgardo, molestos, harán todo lo posible por recuperar a su hijo. Con el apoyo de la opinión pública de la Italia liberal y de la comunidad judía internacional, la lucha de Mortara adquirió rápidamente una dimensión política. Pero la Iglesia y el Papa se niegan a devolver al niño.A pesar de sus 84 años, Bellocchio parece haber conseguido una segunda juventud desde la presentación de El traidor en 2019. El director italiano consigue aquí una orquestación virtuosa de la lucha de poder que ve a esta familia como una de las últimas víctimas del Vaticano.

LA CHIMERA de Alice ROHRWACHER

Cada uno persigue su quimera sin lograr jamás asirla. Para algunos, es un sueño de dinero fácil, para otros, la búsqueda de un amor pasado… De vuelta en su pequeño pueblo junto al mar Tirreno, Arthur encuentra a su banda de Tombaroli, ladrones de tumbas etruscas y maravillas arqueológicas. Arthur tiene un don que pone al servicio de sus amigos bandidos: sentir el vacío. El vacío de la tierra en el que yacen los vestigios de un mundo pasado. El mismo vacío que le dejó el recuerdo de su amor perdido, Beniamina.
La fotografía, firmada por la directora de fotografía Hélène Louvart, el grano del 35 mm escaneando los frescos italianos en un claroscuro, el super-16 y el 16 milímetro transportan al espectador en el cuento. Misterioso viajero de tren al comienzo de la película (en realidad sale de la cárcel), el inglés llamado Arthur es interpretado por Josh O’Connor, visto como un joven príncipe Carlos en la serie The Crown. Sin conseguir la perfección de Lazzaro feliz, la película consigue llevarnos a la melancolía triste de esta comunidad profanando lo sagrado para sobrevivir

 EL SOL DEL FUTURO de Nanni MORETTI

Giovanni, reconocido cineasta italiano, está a punto de rodar su nueva película. Pero entre su pareja en crisis, su productor francés al borde de la quiebra y su hija que lo abandona, ¡todo parece estar en su contra! Siempre en la cuerda floja, Giovanni tendrá que repensar su forma de hacer las cosas si quiere llevar todo su pequeño mundo hacia un futuro brillante.La película marca el regreso del cineasta italiano al registro que lo hizo famoso: la autoficción, a la vez divertida y melancólica, con dudas existenciales sobre sí mismo, la política y el cine. La autocrítica es dura cuando juega el papel de un director que da lecciones de cine y de ética a todos los que le rodean. Sin embargo, consigue aligerar el didactismo de su guion con secuencias divertidas (la negociación con los jefes de Netflix), momentos brillantes de puesta en escena con una melancolía enternecedora.

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Thierry Frémaux, director artístico del Festival de Cannes, había decidido arriesgar eligiendo a Jeanne du Barry de la francesa Maïwenn como inauguración. La polémica estaba servida por la presencia de Johnny Depp encarnando al Rey Luis XV y la propuesta no convenció. Las otras películas francesas (aparte de la ganadora) ofrecieron distintos resultados.

LE RETOUR de Catherine CORSINI

Khédidja trabaja para una familia parisina adinerada que le propone venir a Córcega para ocuparse d elos niños durante un verano. Para ella es una oportunidad de volver con sus dos hijas, Jessica et Farah, a la lucha contra sus recuerdos,  las dos adolescentes se dejan llevar por las tentaciones estivales: encuentros inesperados, primeras experiencias amorosas… Este viaje será la ocasión para ellas de descubrir una parte escondida de su pasado.
A pesar de una polémica que casi le cuesta su lugar en la competencia de Cannes este 2023, la nueva película de Catherine Corsini consiguió entrar finalmente. Conocemos el compromiso de la directora con la defensa de los derechos de las mujeres, y es precisamente un triple retrato femenino que elige describir en su nuevo largometraje. El talento de sus actrices revelaciones Esther Gohourou y Suzy Bemba es indudable. Pero la vida de las dos hermanas que se oponen sigue el esquema demasiado clásico de las películas adolescentes y a la película le falta fuerza para quedarse en el recuerdo.

BLACK FLIES de Jean-Stéphane SAUVAIRE

Ollie Cross, un joven paramédico de Nueva York, se une a Rutkovsky (Sean Penn), un experimentado médico de urgencias. Enfrentado a una violencia extrema, descubre los riesgos de un trabajo que cada día sacude sus certezas sobre la vida… y la muerte.
La película recuerda mucho Al límite de Scorsese y, a pesar de su ritmo frenético y de la fotografía de David Ungaro, sufre de problemas de guion. Cada situación debe ser peor que la anterior para crear una sensación de crescendo en la opresión y la brutalidad. Pero el exceso autodestructivo de los personajes y algunos clichés acaban produciendo un efecto contrario al deseado.

L’ÉTÉ DERNIER de Catherine BREILLAT

Fiel a los temas que marcan la mayor parte de su ficción, la directora vuelve a evocar el deseo femenino, la pulsión sexual y las «tensiones» entre el orden moral y la satisfacción de fantasías. Catherine Breillat regresa al cine, diez años después de su última película. Remake de la danesa Reina de corazones, la película narra la relación incestuosa entre Anne (Léa Drucker), cuarentona, y Théo (Samuel Kircher), su yerno, de 17 años. El hecho de que sea abogada especializada en violencia sexual contra menores es a la vez irónico y edificante. Este tema tan sensible es abordado con sensibilidad sin caer nunca en excesos. La ambivalencia de los personajes, la complejidad de sus sentimientos se utilizan hábilmente a lo largo de la historia para crear una reflexión visceral sobre el tema. Es importante destacar la actuación de Léa Drucker, impresionante en su papel.

LES FILLES D’OLFA de Kaouther BEN HANIA

La vida de Olfa, tunecina y madre de 4 hijas, oscila entre la sombra y la luz. Un día, sus dos hijas mayores desaparecen. Para suplir su ausencia, la directora Kaouther Ben Hania convoca a actrices profesionales y pone en marcha un extraordinario sistema cinematográfico para desvelar la historia de Olfa y sus hijas. Un viaje íntimo hecho de esperanza, rebeldía, violencia, transmisión y hermandad que cuestiona los cimientos mismos de nuestras sociedades.
La ambición formal adicional de este proyecto es entrelazar documental y ficción en un dispositivo narrativo híbrido bastante novedoso. ¿Está la directora captando una reminiscencia más o menos fiel a la realidad o está aprovechando Olfa este recurso para reinterpretar (incluso corregir) su propia vida? La directora encuentra un material de reflexión particularmente rico para ampliar su tratamiento de las cuestiones culturales y sociales inherentes al mundo árabe.

JUVENTUD de WANG Bing

Zhili, a 150 km de Shanghái. En esta ciudad dedicada a la fabricación textil acuden jóvenes de todas las regiones rurales atravesadas por el río Yangtze. Tienen 20 años, comparten los dormitorios, comen en los pasillos. Trabajan incansablemente para poder algún día criar a un hijo, comprar una casa o montar su propio taller. Entre ellos se forman y deshacen amistades y amoríos según las estaciones, las quiebras y las presiones familiares.
Testimonio auténtico de la sociedad china, es una obra radical y exigente, ciertamente no apta para todos los públicos. Las escenas que presenciamos son tan auténticas que no podemos imaginar que la presencia de la cámara no haya alterado su realidad. Fiel a su método de trabajo, Wang Bing tiene la costumbre de sumergirse durante mucho tiempo en el corazón de la vida cotidiana.

MAY DECEMBER de Todd HAYNES

Para prepararse para su nuevo papel, una famosa actriz (Natalie Portman) se encuentra con la que interpretará en la pantalla (Juliane Moore), cuya vida amorosa encendió la prensa sensacionalista y fascinó al país 20 años antes.
Haynes multiplica planos largos y sofisticados con juegos de espejos, confrontando a los dos personajes en la pantalla. Deja el campo abierto a sus actrices para que demuestren todo el talento del que son capaces. A pesar de todas sus cualidades, salimos algo decepcionados (a lo mejor, las expectativas eran demasiado altas), comparando con el resto de la filmografía de Todd Haynes.

FIREBRAND de Karim AÏNOUZ

Catherine Parr (Alicia Vikander) es la sexta esposa del rey Enrique VIII (impresionante Jude Law), cuyas esposas anteriores fueron repudiadas o decapitadas. Con la ayuda de sus damas de honor, intenta desbaratar las trampas que le tienden el obispo, la corte y el rey…
La película intenta alejarse de los paradigmas de las películas de época. Gracias al formidable trabajo de la directora de fotografía francesa Hélène Louvart, cada toma está parece un cuadro con múltiples detalles (incluido el fabuloso vestuario de Tamara Amalie). La música agrega una explosión épica a todo el asunto. Si tarda en arrancar y se basa en un tono un poco monótono, la película se sumerge poco a poco en el terreno del thriller político para acabar en una especie de película de terror.

ASTEROID CITY de Wes ANDERSON

Asteroid City es una pequeña ciudad en medio del desierto en el suroeste de los Estados Unidos. El año es 1955. El sitio es más famoso por su gigantesco cráter de meteorito y su observatorio astronómico cercano. Este fin de semana, militares y astrónomos reciben a cinco niños superdotados, distinguidos por sus creaciones científicas, para que presenten sus inventos. A unos kilómetros, más allá de las colinas, vemos hongos atómicos provocados por pruebas nucleares. Como siempre, Wes Anderson se rodea de un casting espectacular y destacan su maravilloso estetismo y dirección de arte. Aquí encontró una fuerza de encarnación que faltaba en sus últimos trabajos. La película esconde una propuesta mucho más torturada y oscura de lo que parece.

THE OLD OAK de Ken LOACH

TJ Ballantyne es el propietario del «Old Oak», un pub que está amenazado de cierre tras la llegada de refugiados sirios colocados en el pueblo sin previo aviso. Pronto, TJ conoce a una joven siria, Yara, que tiene una cámara. Una amistad nacerá entre ellos…
Es un Ken Loach menor, a veces con un discurso muy repetitivo. La película también está llena de clichés y maniqueísmo y las buenas intenciones ya no parecen suficientes: la loable solidaridad de clase como utopía deja de emocionar.

BANEL E ADAMA de Ramata-Toulaye SY

Banel y Adama se aman. Viven en un pueblo remoto en el norte de Senegal. Del mundo, sólo saben que, fuera, nada existe. Pero el amor absoluto que los une chocará con las convenciones de la comunidad. Porque donde viven no hay lugar para las pasiones y menos para el caos.
En la única ópera prima en competición, los personajes parecen muy unidimensionales y los diálogos contienen fórmulas planas e ingenuas. Por tanto, es difícil que los actores se desprendan de su máscara para emocionarnos, y difícil que el conjunto se aventure lejos de su previsible narración. Quedan algunos momentos llenos de lirismo y poesía que no bastan para justificar esta presencia en Selección Oficial del festival de Cannes 2023.

CLUB ZERO de Jessica HAUSNER

Miss Novak ingresa a una escuela secundaria privada donde inicia un curso de nutrición con un concepto innovador, revolucionando los hábitos alimenticios. Sin despertar las sospechas de profesores y padres, algunos alumnos caen bajo su influencia y se unen al círculo muy cerrado del misterioso Club Zero. La propuesta de la directora austriaca es un análisis inteligente de nuestro tiempo donde el sectarismo y la desconexión entre generaciones están diseccionados a través de la sátira.